Thibault Hazelzet fut le premier artiste à rejoindre la galerie. Sa première exposition, pour laquelle Quentin Bajac nous avait fait l’honneur d’un texte, remonte à l’année 2009.
L’œuvre de Thibault que j’ai retenue est titrée Narcisse et s’insère parfaitement dans le corpus plus ancien et à venir de l’artiste, dont l’intérêt pour les grands sujets de l’histoire de l’art (mythologiques ou religieux) ne s’est jamais démenti.
Par des superpositions de formes, de transparences et d’opacités, Thibault Hazelzet compose une photographie (qui n’existe que sous la forme d’un seul et unique tirage) où la lumière, la matière et la disparition s’entremêlent. Pour obtenir cette image composée de différentes strates, le négatif est imprimé à plusieurs reprises : les lignes fluides (il s’agit d’une peinture de l’artiste) évoquent la surface d’une eau troublée dans laquelle une structure (autre prise de vue) se reflète. Mais le reflet est trompeur car il est dessiné, puis photographié à son tour. Enfin un grand rectangle noir, frontal et hiératique (obtenu à l’aide d’un cache) semble faire obstacle au regard… À moins qu’il ne soit le lieu où le regardeur pourrait y découvrir son propre reflet ?

En intitulant cette pièce Narcisse, l’artiste convoque le mythe en même temps qu’un morceau de l’histoire de la peinture, en particulier celle des Nymphéas de Claude Monet, où le miroir de l’eau figure un espace de dissolution du monde visible. Comme chez Monet, la surface se fait ici seuil du regard — ni tout à fait image, ni tout à fait matière. Mais là où Monet cherchait la vibration de la lumière, Hazelzet en propose la négation mélancolique : un miroir qui ne renvoie plus de visage, une eau qui absorbe au lieu de refléter. Narcisse, avec une grande complexité de moyens, apparaît comme une méditation contemporaine sur la perte de soi dans l’image, sur la tension entre apparition et disparition, entre contemplation et effacement.
Comme un écho lointain et nostalgique aux jardins de Giverny, où la lumière de Monet se serait retournée en ombre.

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Thibault Hazelzet was the first artist to join the gallery. His first exhibition, for which Quentin Bajac had honored us with an introductory text, dates back to the year 2009.
The work by Thibault that I have chosen, titled Narcisse, fits perfectly within both the earlier and upcoming corpus of the artist, whose sustained interest in the grand themes of art history (mythological and religious) has never waned.
Through layers of form, transparency, and opacity, Hazelzet composes a photograph that exists as a single, unique print, in which light, matter, and disappearance intertwine. To create this stratified image, the negative is printed multiple times: the fluid lines (derived from one of the artist’s own paintings) evoke the surface of a disturbed body of water in which a structure from another photograph is reflected. Yet the reflection is deceptive because it is first drawn, then photographed again. Finally, a large black rectangle, frontal and hieratic, and produced using a mask, seems to obstruct the viewer’s gaze… unless it is the very space where the viewer might glimpse their own reflection.
By titling this piece Narcisse, the artist invokes both myth and art history—particularly the lineage of Claude Monet’s Water Lilies, where the mirroring water becomes a threshold for the dissolution of the visible world. As in Monet, the surface here becomes a threshold of vision—neither entirely image nor entirely matter. But whereas Monet sought the vibration of light, Hazelzet offers its melancholic negation: a mirror that no longer reflects a face, a water that absorbs rather than returns. Narcisse, through the complexity of its construction, stands as a contemporary meditation on the loss of self within the image, on the tension between appearance and disappearance, between contemplation and erasure.
It resonates like a distant, nostalgic echo of Giverny’s gardens—where Monet’s light seems to have turned back into shadow.